Cristina Acidini – famosa storica dell’arte – recensisce l’opera di Carmine Ciccarini, artista “ipermetropolitano”

Carmine Ciccarini, per chi come me ne vede l’opera senza conoscerne la genesi, sembra preso da una insistente nostalgia dell’altrove; di quell’altrove perfettamente alternativo rispetto agli spazi umani (ipermetropolitano appunto) e misurati delle antiche cittadine dell’italia centrale a lui familiari, che si identifica nei soggetti urbani ricorrenti sulle sue tele. La sua città americana, statunitense, spesso New York  è onnipresente in continue variazioni di tagli e di luci; tanto da esserci anche quando non c’è, o non si vede: perché a lei certamente, sirena irresistibile per il pittore, conduce il prospettico andare verso l’orizzonte suggerito da carrozzabili lunghe e nette in lande deserte.

Evocazioni scatolari, irte di spigoli affilati e baluginanti di luci artificiali, i centri di Ciccarini si lasciano tuttavia intridere da piogge occasionali, che addensano il grigio del cielo sopra i grattacieli. Lustrano le automobili; trasformano in fanghiglia quel poco di terra e di polvere che si annida sotto i marciapiedi anche dell’abitato più terso e lindo. Alcuni dei quadri di Ciccarini fanno rivivere le sensazioni fugaci che ci restano d’una metropoli, nella memoria degli occhi e dei cuore. Come quando si getta un’occhiata dalla finestra dell’albergo, verso il ventesimo piano, e la veduta serotina prende un piglio geometrico di quinte scure e sprazzi di bagliore, tra l’ammiccare misterioso e commovente di finestre illuminate, spie di riti domestici inconoscibili eppure confortanti che appartengono a innumerevoli vite altrui. Tocca talvolta al fiume, lama piatta e crepuscolare, spezzare la continuità ossessiva dei costruito coi suo riflesso di cielo.

E ci si distoglie da quella visione con breve vertigine, non per l’altezza ma per l’immensa e ingovernabile complessità dell’esterno, ripiegando nella camera magari impersonale e tuttavia rassicurante, chiusa scialuppa per singoli o coppie nel naufragio urbano.

E come quando si cammina per un’avenue, sul piano stradale cupo e a tratti fumigante come in un inferno vittoriano, sprofondati in un canyon di grattacieli che non esclude il cielo, cui si è grati per esser là a trascolorare in un tramonto che dabbasso è precoce, e per restare più alto e più libero dell’antenna più erta di qualsiasi cuspide. Materiali refrattari alla poesia- lamiera e bitume, vetro e cemento   trovano in Ciccarini un indagatore che ne comprende e ne riprende la sostanziale fragilità, vulnerabili come sono alla sottile malinconia dei cieli tagliuzzati dalla skyline nei pomeriggi umidi o nei tramonti affocati. Con le sue stesure decise, i profili di luce zigzaganti rapidi come folgori, gli addensamenti grumosi di tinte, il pittore ci trasporta in una dimensione ipermetropolitana, scenario dei nostri verosimili sogni incubi di turisti affascinati e di cittadini guardinghi.

Cristina Acidini – storica dell’arte e scrittrice – Ex Sovrintendente per il patrimonio artistico ed etnoantropologico del Polo Museale Città di Firenze

Firenze, marzo 2013

Solo Carmine Ciccarini, maestro colto, artista figlio di letture, letterature, viaggi ed osservazioni, avrebbe potuto entrare nelle città di vetro, pronto a perdersi nell’inconsistenza del linguaggio per ritrovarsi nelle determinazioni di una pittura ben precisa, con una forte identità.

Lui solo. Solo lui avrebbe potuto dipanare un gomitolo tanto intricato nel quale plot e personaggi si cercano, si confondono, in un teatro che appare vietato al racconto della verità e nel quale l’equivoco, l’ambiguità e la solitudine diventano gli unici colori possibili di una vita che una letteratura postmoderna ha trasformato in un puro esercizio da mentalista, forte di una sua precisa identità pittorica.

Dalla città delle anime alle città di vetro, il passo è breve solo per un gigante, perché l’abisso è pronto, la follia anche. Carmine Ciccarini è l’artista, italiano di nascita, figlio del mondo per matrice artistica, che segue e insegue, nelle sue opere, le architetture, le trame e il senso stesso delle città, da teatri a voci narranti, da esercizio pittorico a espressione artistica, consapevole autore di una cultura che va dagli Impressionisti a Hopper, dalla Pop Art alla Transavanguardia.

Vediamone le recenti opere sulla tecnica e la visione prima di passare a sottolinearne il contenuto. Il paesaggio urbano presenta un’armonia, con il cielo, quasi ritrovata, dove le contaminazioni di colore rendono le strutture e le architetture il luogo della ricerca, nella quale si svolgono fatti e storie, un insieme di strade che trovano e ritrovano senso e movimento. Sono impressionanti alcune immagini pittoriche nelle quali la capacità artistica del racconto, l’impulso teatrale dell’agorà lascia spazio alla visione di un’umanità fatta di piccole vicende che si intrecciano, confondono, dando vita ad un insieme di colori e di armonie nella quale filosofia e poesia perdono i confini conferendo una non attesa liricità all’insieme caotico ed equilibrato del contesto.

L’uso dei gialli e dei rossi acquisiscono un valore nuovo, quasi di voce fuori campo, che comprende il periodo storico ed etico nel quale il tutto prende vita.

In questi dipinti comprendiamo lo studio di Ciccarini sulle pitture dei secoli passati. Questa capacità di incontrare ed abbracciare l’ombra che rivela la luce e gli umori non sarebbe stata possibile senza lo studio di Caravaggio, Rembrandt, Vermeer. Quel cielo fatto di angeli e demoni che sovrasta e osserva lo spettacolo quotidiano, caotico e ordinato, non avrebbe avuto tutta questa luce e contrasto se Turner non avesse dato senso alla ricerca sui colori.

E’ impressionante quanto Ciccarini sia riuscito ad assorbire e a personalizzare l’antica lezione creando qualcosa di completamente nuovo ed originale nella pittura. Lontano dal realismo di Hopper e da certi colori brillanti, Ciccarini appare comunque portare a termine la rivoluzione iniziata da Hopper stesso in quanto le sue visioni urbane, pur risentendo di una capacità pittorica e un’attenzione dell’insieme fuori dal comune, rappresentano non quello che vede ma quello che sente. Ecco che la rivoluzione portata da Hopper riscuote un contributo originale ed efficace come quello di Carmine Ciccarini.

Nelle sue opere riconosciamo una certa dimensione metafisica, quella filosofia pronta a mitigarsi, nel suo rigore, con l’uso di alcuni colori, in quella poesia che rende la city qualcosa di assoluto nell’indagine nella storia e nelle psicologie.

Nella sua opera ritroviamo il senso del silenzio. Chi ha conosciuto a fondo la poesia e lo studio di Monet comprende i silenzi e i colori di Ciccarini, a tratti la rappresentazione di quell’umanità la cui comunicazione appare difficile, quasi inesistente e indifferente, una sensazione difficile da trasmettere.

E se Toulouse-Lautrec metteva in scena la società parigina di quell’epoca, con sottolineature di colore, segno evidente, approccio da narratore, Ciccarini racconta, silente, facendo comprende tutto con una visione pittorica d’insieme che pochi anno e con opere che non accettano i perimetri della tela andando oltre.

Un ciclo davvero complicato possibile solo a chi ha viaggiato molto, ripeto, fra i libri e nei luoghi. Un ciclo impossibile da realizzare senza aver annusato l’aria di New York, aver visto i grigi di Berlino, aver imparato il disegno con il colore tipico degli Impressionisti, essersi perso nelle piazze italiane, nell’alba spagnola e nel tramonto inglese. Non si possono comprendere le sue figure e il senso della conoscenza del contesto se non si sono sfogliate pagine di Platone, la follia di alcuni colori senza la poesia di Rimbaud o la ricerca di Kavafis, l’attesa del proprio spirito in unione con il tutto senza Hesse.

Ecco perché abbiamo apprezzato e salutato con entusiasmo il titolo del ciclo che recupera la trilogia di New York di Paul Auster con il romanzo “Città di vetro”.

Nello scritto, una detective-stories, emerge il senso di una New York surreale nella quale l’identità perde il proprio confine, come il linguaggio e gli schemi linguistici che, in generale, risultano inefficaci per comunicare l’essenza delle cose. Il mistero urbano prende vita con intrecci inaspettati con collegamenti anche al Don Chisciotte di Cervantes. Ecco spiegati colori e visioni, silenzi e narrazioni, mancanza di comunicazione e immediato sentire, filosofia e poesia che si incontrano nella ricerca surreale di una verità provvisoria, pause e rapidi sviluppi nel ritmo pittorico di questo ciclo di Carmine Ciccarini.

Ecco New York (e altre città) come si presenta, in fuga, veloce eppure stabile, mai uguale a un proprio ritratto, nella quale la poesia diventa capacità di conoscenza e la filosofia si trasforma nell’etica di una metafisica immobile, con un baricentro disposto a cambiare sotto un cielo lirico e ironico, che sa raccontare senza parole e rimanere in silenzio rappresentando visioni, passione, abilità perdute.

Un cielo che commuove e che narra, come quelle vetrate opache dipinte da Ciccarini, dietro le quali abbiamo una visione più libera, senza identità, nella quale lo spirito si confronta con il tutto. Un cielo, una New York, un racconto, una riflessione, una filosofia, città che si incrociano, uno scrittore, un pittore, semplicemente l’arte assolutamente internazionale di Carmine Ciccarini.

Giammarco Puntelli – critico e curatore

Le città di vetro – percorso di un artista

La mostra Le città di vetro evoca un percorso artistico già avviato da tempo da Ciccarini e chiaramente illustrato
nel volume monografico “La città delle anime” pubblicato da Skira nel 2014 a cura di Luciano Caprile.
Nello stesso modo però rappresenta una novità: è infatti la seconda delle tappe italiane di una mostra personale itinerante, iniziata in agosto a Bellagio e che, dopo la sede di Bologna, proseguirà al Museo Aurum di Pescara, al Chiostro del Bramante di Roma e alla Cattedrale di Perugia.[…] Carmine Ciccarini è un artista emerso nel panorama nazionale e internazionale da più di quindici anni e ora pienamente affermato, grazie anche a prestigiose esposizioni in Italia e all’estero[…].

Una pittura metropolitana

È così che il pubblico ha iniziato a conoscere la sua pittura metropolitana fatta di architetture, arditi tagli prospettici – a volte infiniti, altri quasi troppo ravvicinati – pensati per catturare l’attenzione dello spettatore. Sono le strade a fare spesso da punto di fuga; vie deserte che accompagnano lo sguardo verso orizzonti infuocati o viceversa nastri grigi attraversati dal flusso indistinto di sfreccianti automobili e treni, con luci e ombre indistinte, segno di un tempo che corre velocemente, trascinando uomini e cose. Non si può che restare affascinati dalle sagome imponenti degli edifici, dalle originali vedute e dal cromatismo con cui Ciccarini rappresenta le metropoli americane di New York, San Francisco,

Chicago, cui nel tempo si sono aggiunti skylines di città europee come Londra, Parigi, Bilbao, Amstedam e Rotterdam. […]

È una carriera artistica che nasce da un preciso
background intellettuale;

la New York degli anni 1980-90, che l’artista ha frequentato e che gli ha permesso di conoscere nomi noti della Pop art, del movimento artistico dell’East Village e del graffitismo.
Ma ad influenzare la sua arte pittorica sono anche le tematiche care agli intellettuali e ai pittori del Futurismo, come Balla e Boccioni, i concetti di modernità, evoluzione della città, movimento incessante che non riconosce più i ritmi del giorno e della notte.
Altri e ben più complessi risultano i riferimenti a movimenti come la pittura di macchia e l’impressionismo, cui l’artista sembra approdare in alcune delle opere più recenti[…]; da tutto ciò nasce una mostra di ampio respiro, ricca di spunti e riflessioni, cui lo spettatore non può sottrarsi.

Atmosfere: dal teatro, al cinema, alla fotografia

Le atmosfere evocano a volte il teatro ma soprattutto il cinema, che affascina molto Ciccarini, come pure le opere dei grandi fotografi del 900, in particolare laddove sono le tonalità del grigio e del nero a predominare.
Ed è per questo che oltre ad usare la pittura ad olio e acrilico si serve a volte di scatti fotografici che fungono da memoria e divengono la base del mezzo espressivo; la bozza su cui iniziare il lavoro.
Ciccarini propone una tecnica cromatica molto raffinata; il colore, mezzo ma anche materia, è composto da pigmenti rari, stesure corpose e ripetute, pennellate veloci e trattamenti superficiali che servono a creare effetti particolari.

Attraverso la ricerca di un linguaggio diversificato, l’arte di Ciccarini si è fatta nel tempo più intimista, con la rappresentazione di interni di caffè, musei, stazioni e metropolitane, popolate da individui che passano veloci,
assorti nei propri pensieri.[…]

Un artista che vuole suscitare emozioni

Suscitare emozioni è lo scopo primario del maestro: meraviglia, senso dell’immensità ma anche inquietudine
e impotenza dinnanzi ad un mondo che cambia senza noi e di noi, anzi, poco si accorge[…].
Emerge forse l’amara considerazione che la bellezza delle città non riesce ad alleviare l’isolamento umano; anzi lo acuisce, mettendone a nudo l’anima.
L’artista ha cercato un colloquio fra le coscienze; a volte lo ha trovato ma più frequentemente è rimasto a guardare, come da dietro un vetro; una grande finestra su un mondo irraggiungibile, cui si vorrebbe partecipare
ma di cui poi si rifiutano alcuni meccanismi.
Le città di vetro rappresentano la fragilità umana o sono solo lo specchio della sua presunzione? Forse entrambe
le cose se è l’uomo… Nel senso più pieno del concetto rinascimentale e determinarne il senso, il valore storico e umano.

Letizia Montalbano
Direttrice Scuola Superiore di Restauro
dell’Opificio delle Pietre Dure – Firenze

L’artista delle megalopoli di vetro, invincibili, immortali in tutta la loro grande fragilità…

Quelle di Carmine Ciccarini sono megalopoli contemporanee che si mostrano in tutto il loro lirico realismo, attraendo lo sguardo con mille luci e grandiose architetture. Danno la sensazione di essere invincibili, immortali, ma in realtà sotto le imponenti strutture di cemento armato e ferro nascondono la loro fragilità; la fragilità degli esseri umani che le abitano e che le hanno costruite così imponenti.

Visioni personali

Attraverso le sue personalissime visioni Ciccarini narra un’umanità sedotta dalla vita mondana e dalla richezza delle metropoli; al tempo stesso vaga in esse in profonda solitudine, anche quando si trova in locali chiassosi e pieni di persone, come nell’opera Chinatown. Un uomo ed una donna sono seduti al bancone di una bar; stanno lì immobili senza parole, senza sorrisi. In questa raffigurazione tanto cara alla produzione artistica contemporanea, basti pensare ai Nightawks di Hopper e all’Absinthe di Degas, i colori sgargianti delle bottiglie in bella vista e dell’arredamento del locale passano in secondo piano rispetto all’incombente nero della figura umana di spalle, che nella sua alienazione, pur essendo seduta dentro quel bar, potrebbe essere in qualsiasi altro posto.

Ciccarini nella raffigurazione di questi panorami non indugia su particolari iperrealisti; infatti non è la pura descrizione ciò che attira questo eclettico artista, bensì sulle apparenze celate dietro una città ideale. Compaiono, così, in una notte profonda le luci accecanti di Metropolis, opera che non solo nel titolo, ma soprattutto nel significato intrinseco richiama il capolavoro di Fritz Lang. La città è un sogno meraviglioso per chi si può permettere di viverla pienamente,;ma per chi non ha possibilità economiche e sociali diventa un incubo che inghiottisce e travolge.

Arte realista intesa, quindi, come arte ispirata alla realtà; nella quale la sintesi dello sguardo taglia via inutili dettagli restituendoci una prorompente immagine d’insieme.  Essa racchiude in sé la grande arte europea impressionista ed espressionista per l’uso del pennello e del colore e quella americana degli anni ’50 e ’60 per le atmosfere noir e sospese nel tempo.

Le città di Ciccarini

Le città di Ciccarini sono città di vetro, imponenti e fragili, bellisime e mostruose allo stesso tempo.

All’artista non interessa ritrarre la presenza umana in quanto tale ma i “simboli di civiltà”; palazzi, monumenti, lampioni, addirittura le strisce pedonali divengono i protagonisti di opere che si imprimono nella memoria, come delle istantanee fotografiche, che ci portano a riflettere sulla condizione dell’uomo moderno, che attraverso la multiforme artificialità delle metropoli ricerca sé stesso senza mai trovarsi veramente.

Per dirla con un’espressione del noto sociologo, recentemente scompraso, Zygmund Bauman, le vedute cittadine di Ciccarini raffigurano una “società liquida”, che si muove in un dinamismo frenetico che travolge ogni dimensione della vita; in esse l’uomo contemporaneo cerca quella felicità fatta di successo e di popolarità. Ma spesso trova solo una profonda malinconia e l’insoddisfazione di rincorrere per sempre qualcosa che non potrà mai avere. Sono l’emblema di una modernità fatta non di essenza ma di divenire; di perenne incompiutezza ed indefinitezza perchè l’unica costante per l’uomo è il cambiamento e l’unica certezza è l’incertezza.

Maria Paola Lupo – Storica dell’arte – Pescara, Gennaio 2017

L’  Astrattismo nasce nei primi anni del XX secolo con Malevic, Mondrian, Klee e Delanuy per citare i più famosi,
ma forse il maggior riferimento per la cultura astrattista è stato Kandinsky specie per l’arte italiana degli anni 30, specie con le sue opere ad acquarelli o con pastelli, insegnamento ricevuto al Bauhaus.
Negli anni 60 nella zona del lago di Como, Restany, Celant, Crispolti e Caramel creano il “Campo Urbano” da cui si sviluppa con Mula e Munari l’arte dell’Astrattismo razionale di Radice, Rho, Prina che includonoanche aspetti futuristici che evolvono con Ettore Sottsass, Veronesi, Licini, Bassi e altri che vanno ad influenzare il “Gruppo Forma” di Roma di Perilli, D’Orazio e Prampolini creando una forma di spiritualismo astratto.
Con il grande architetto Sant’Elia, diventa conoscienza e creazione, rapporto tra uomo e ambiente e questo architetto diventerà un demiurgo che influenzerà tutta l’achitettura razionale specie di Radice. Sant’Elia più che un precursore dell’architettura rimane una sorta di scenografo per l’assenza di un programma ideativo proponendo lo stile di un’architettura moderna (Argan).
Ciccarini, pur essendo nato molti decenni dopo, ha avuto l’occasione di conoscere architetti come Gardella, Rossi, Fariello e Michelucci; con loro ha parlato ed ha studiato architettura e approfondito certe sue idee sull’urbanistica.
Altrimenti come sarebbero potute nascere opere come “Chicago”, nata da una foto degli anni Venti ed in seguito ricostruita con grattacieli a perdita d’occhio in uno spazio infinito dove si avvertono le influenze del Sant’Elia, e nei piccoli tratti astratti, Paul Klee, ma con un senso assolutamente più lirico che si avverte ulteriormente in “Metropolis”.
I suoi punti di fuga ricordano il razionalismo architettonico del periodo fascista, ma anche i lavori del Vanvitelli specie nella serie “I wanna be”, in cui il senso cinematografico con le sue visioni “a volo d’uccello” si mischiano a visioni estremamente geometriche e razionali dei luoghi rappresentati. Anche i colori, caldi del razionalismo lombardo e comasco così come nelle opere di Kandisky, assumono in Ciccarini una tonalità assai differente, passando dai toni dell’arte napoletana e meridionale di fine ‘800.

Mischiando al contrario cieli inglesi più freddi come varietà di grigio e giallo come in “The Shard”, “The man under the Bridge”, “Kaos”, a cieli infuocati come “Velvet”,“Orange”, “Red Los Angeles”. Parliamo quindi di uno stile artistico assolutamente originale dove l’artista ha attinto dall’Impressionismo, dal Neorealismo, dal
Futurismo, dalla Macchia fino alla foto “ingrandite” di Richter, sentendo una forte aspirazione verso l’arte americana degli anni ’30 e ’40, ma rendendola meno melanconica e più moderna.
Negli ultimi lavori – “42nd strada” , “5th strada”, “San Francisco” per citarne alcuni – lo spazio appare quasi
infinito, in un’architettura razionale, ma umana.  Anche in un’opera assolutamente anomala come “Present  Nearness”, assai distante dalle sue visioni metropolitane, in cui due giovani donne sedute in un caffè di Londra discorrono scherzosamente, si avverte l’arte di Vermer e dei Fiamminghi in cui si osserva, in questa grande
tela di oltre 2 metri, una incredibile prospettiva.
Quando alla Biennale di Venezia del 2015 ho potuto osservarla da vicino nel padiglione di Granada sono rimasto quasi imbarazzato dal sentirmi parte integrante del dipinto e ricordo di aver risposto alla domanda di Ciccarini:
“Prof. Caramel, ma lei come definirebbe questa opera visto che personalmente non trovo artisti del presente che si avvicinano a questo modo di fare pittura?”
– “Sensaltro c’è da lavorare per definire questo tipo di pittura, senza dubbio c’è una fortissima base lirica in essa, ma non è definibile a quale corrente o aquali artisti sia riferibile…ci vuole tempo per studiarla!”.
L’ultima immagine che ricordo è che l’opera si apriva nella stanza con una incredibile profondità annullando tutto il circostante, probabilmente, forse è questo il punto dominante della pittura di Ciccarini: il senso della profondità, di punti di fuga multipli, di tocchi di astrattismo, di movimento con un senso talvolta fotografico.
Infine la sensazione finale è il volto delle ragazze che viste da vicino avevano delle “macchie”, come nell’omonima
corrente artistica, che davano il senso della profondità; le stesse “macchie” si ritrovano anche nella macchina che corre verso l’infinito in “Towards Los Angeles” che di primo acchito sembra una foto, ma in realtà è una macchia continua.
Questo per dire che lo stile di Ciccarini è un florilegio di contaminazioni artistiche che sfocia in uno stile completamente personale nel risultato finale, difficilmente imbrigliabile in un solo stile pittorico conosciuto.

Luciano Caramel – critico e storico dell’Arte